Nicolas Bourriaud

Jeanne Briand’s work is no more anthropomorphic, zoomorphic, or even organic, than it belongs to the world of machines. The works operate within all these categories and contribute to constructing a new one, in which prosthetics and devices, biology and mechanics cease to be perceived as opposites. This biological realism, which emerges today in the wake of a global awareness of the anthropocene, represents a crucial tendency in today’s art scene.
Jeanne Briand, whose work I first encountered when she was a student at Ecole des Beaux-Arts in Paris, is one of the artists of this new generation that could be qualified as «materialistic», provided that this concept is defined as one of an open-mind: neither scientistic nor limited to any aspect of living matter, Jeanne Briand contributes to shifting the parameters of nature and culture, as well as those of ‘reality’. Hence why I invited her to participate to the exhibition «Crash Test», which will take place at La Panacée in Montpelier in February 2018, and bring together twenty international artists for whom reality comes above all from the matter and its flows.

Les oeuvres de Jeanne Briand ne sont ni anthropomorphes, ni zoomorphes, ni même organiques, pas plus qu’elles n’appartiennent au monde des machines. Elles participent de l’ensemble de ces catégories et contribuent à en créer une nouvelle, dans laquelle prothèses et appareils, biologie et mécanique cesseraient d’être perçus contradictoirement. Ce réalisme biologique, qui émerge aujourd’hui dans le sillage de cette prise de conscience planétaire que constitue l’anthropocène, représente une tendance cruciale de l’art de notre époque. Jeanne Briand, dont j’ai connu le travail à l’école des Beaux-Arts de Paris, est l’une des artistes de cette nouvelle génération que l’on pourrait qualifier de matérialiste, à condition de définir cette notion comme un état d’esprit ouvert : ni scientiste, ni limitée à un quelconque versant de la matière vivante, Jeanne Briand contribue à déplacer les paramètres de la nature et de la culture, tout autant que ceux de la ‘réalité’. C’est à ce titre que je l’ai invitée à participer à l’exposition « Crash Test », qui aura lieu à La Panacée à Montpelier en février 2018, et qui réunira une vingtaine d’artistes internationaux pour qui le réel passe avant toutpar la matière et ses flux.

Rémi Guezodje

From her studio turned lab, Jeanne Briand blows glass, spins clay and handles steel test tubes, first conceptualising forms from the materials that compose them. Through this materialist approach, uteri, jellyfish and gametes emerge like a bestiary of cosmological or twilight figures. Very much inspired by Aldous Huxley’s science-fiction novels, the artist likes to immerse her practice in an erotic and seventies futurism. Free and sexual forms, Jeanne Briand’s sculptures question the ethical ambiguities generated by scientific progress and the digitalisation of romantic relationships, especially in her works “Fluid’s of a love scene: Jelly Parade”, recently exhibited at Magasins Généraux.

Depuis son atelier-laboratoire, pour souffler le verre, tourner l’argile ou manier des tubes d’acier, Jeanne Briand pense d’abord les formes sous l’angle de la matière qui les compose. De ce postulat matérialiste, l’artiste fait émerger des utérus, des méduses et des gamètes qui composent un bestiaire comme autant de figures cosmogoniques — ou crépusculaires. Les récits d’anticipation d’Aldus Huxley pétrissent l’imaginaire de l’artiste qui se plaît maintenant à plonger sa pratique dans un futurisme érotique et seventies. Formes libres et sexuées, les sculptures de Jeanne Briand ne manquent pas non plus d’interroger les ambiguïtés éthiques qu’engendre le progrès scientifique ainsi que la digitalisation des rapports amoureux, notamment pour son travail récemment exposé aux Magasins généraux.

Pedro Morais

Enhanced Body
The Manifesto of xenofeminism, published in 2015, preached a transformed use of technologies to tackle the biological determinism associated with the body. “The glorification of nature has nothing to offer us, we want to see gender differences multiply”, said collective-author, Laboria Cuboniks.
Jeanne Briand seems to place her work into a new, deeply anti-binary sensibility, not only concerning gender, but also approaching oppositions such as subject/object, human/animal, organic/technological. Belonging to the first generation of IVF babies, she presented a “Gametes Opera” during Crash Test, an exhibition-manifesto curated by Nicolas Bourriaud around composite materials, refusing the opposition between nature and culture.
Sometimes her sculptures are adorned with harnesses or covered with skin (natural leather) giving a fetishistic character to these prosthesis “used for body enhancement”. Other times, she borrows from animal language to transform luminescent sculptures into a jellyfish love parade. “This organism is ten times embryonic and is a hacker: its proliferation is paradoxically the result of global warming”, she said. “For me, authors like Aldous Huxley do not write dystopias, but philosophy, it can be exciting or worrying, but the future is already there”.

Le corps augmenté
Le Manifeste du xénoféminisme, publié en 2015, prônait un usage transformé des technologies pour combattre les déterminismes biologiques associés au corps. «La glorification de la nature n’a rien à nous offrir, nous voulons voir se multiplier les différences entre les sexes», déclarait l’auteur-collectif Laboria Cuboniks.
Jeanne Briand semble inscrire son travail dans une sensibilité nouvelle, profondément anti-binaire, ne concernant pas seulement le genre, mais aussi le sujet / l’objet, l’humain / l’animal, l’organique / le technologique. Appartenant à la première génération née par fécondation in vitro, elle a participé, avec un «opéra de gamètes», à l’exposition-manifeste «Crash Test» de Nicolas Bourriaud autour de matériaux composites, refusant l’opposition nature/culture. Parfois ses sculptures sont parées de harnais ou recouvertes de peau (du cuir naturel) donnant un caractère fétichiste à ces prothèses «utilisées pour l’augmentation du corps».
Ailleurs, elle emprunte au langage animal pour transformer des sculptures luminescentes en love-parade de méduses. «Cet organisme se décuple à l’état embryonnaire et fait du hacking : sa prolifération résulte paradoxalement du réchauffement climatique», dit-elle. «Pour moi des auteurs comme Aldous Huxley n’écrivent pas des dystopies, mais de la philo, cela peut être excitant ou anxiogène, mais le futur est déjà là.».

Ingrid Luquet-Gad

The contemporary body is either an organism nor a machine: it’s a techno-body.

In its earlier prefigurations, nomadism appeared essentially as a revolt against private property and the invasion of consumer society’s standardized items. Right now, a new meaning of the term is coming to the fore: the millennium just beginning has certainly marked humanity’s awakening to its nomadic condition—the whole of humanity and not just the artist. But this particular nomadism is no longer linked to the habitat, it is even its contradiction. It has become a biological datum and connects with the most common motif of augmented humanity—a term that is, incidentally, inexact, because it is more a question of synthesis than addition, linking up with the “production of affects”—biopolitical affects—referred to by Toni Negri and Michael Hardt. For the Paul B. Preciado who, in 2008, wrote Testo Junkie, under the name of Beatriz Preciado, the modern body cannot henceforth be “reduced to a pre-discursive organism”, and life “does not exist outside the interlacing of production and culture that belong to technoscience”. Whence his conclusion, based on the earlier works of Donna Haraway: “This body is a technoevolving, multiconnected entity incorporating technology. Neither an organism nor a machine: technobody”. The contemporary body is literally ‘born ready’: ready to drift.

These interweaves between theories, materials, molecules and affects are incarnated in the work of Jeanne Briand in the form of plugs and prostheses which create their own life. Embarked on during her degree at the Paris School of Fine Arts, the “Random Control” (2010-2015) series is made up of blown glass uteri manufactured from laboratory test tubes. The series then developed towards “Gamete Glass” (2015-2017), where forms likewise reminiscent of an arti cial life produce sounds when they are activated by the breath that gave birth to them. In becoming more and more autonomous, these glass matrices were displayed augmented by plugs and supported by steel bars at the Salon de Montrouge in that same year. In attaining an exchange with other environments and verticality, the works in the series “Gamete Glass (bachelors)” (2017) thus appear like the Objets Cache-Toi of the world after the disappearance of the human factor.

But it is undoubtedly in the latest developments of her work that we can see in its most readable form the appropriation of the theme of biological nomadism by young artists who have begun producing during this decade. In a month-long residency at the Clark House Initiative in Bombay, last summer, the artist observed the guards wrapping the bodies of motorbikes being driven around the over-populated city. As both a protective device for the bike and a device for keeping pedestrians at bay, these external metal structures are, in addition, made to measure and customized. In covering them with skin, the artist hijacked them and turned them, in her own words, into “ nery and prostheses”, and started a new series, Proximity Max, which she is currently involved with in Los Angeles. Set on a wall or on the ground, the originally augmented body has ended up disappearing altogether, elevating the prop to the rank of substance.

Le corps contemporain n’est ni organisme, ni machine : il est technocorps.

Dans ses préfigurations antérieures, le nomadisme apparaissait essentiellement comme une révolte contre la propriété privée et l’invasion des objets standardisés de la société de consommation. À présent, une nouvelle signification du terme se profile : le millénaire qui s’ouvre aura certainement marqué l’éveil de l’humanité à sa condition de nomade – toute l’humanité et non seulement l’artiste. Mais ce nomadisme là n’est plus lié à l’habitat, il en serait même la contradiction. Il est devenu une donnée biologique et rejoint le motif plus commun de l’humanité augmentée – un terme par ailleurs inexact, puisqu’il est davantage question de synthèse que d’addition, rejoignant la « production d’affects » biopolitiques dont parlent Toni Negri et Michael Hardt. Pour le Paul B. Preciado qui, en 2008, écrit Testo Junkie sous le nom de Beatriz Preciado, le corps moderne est désormais «irréductible à un organisme pré-discursif», et la vie «n’existe pas hors les entrelacs de production et de culture propres à la technoscience». D’où sa conclusion, s’appuyant sur les travaux antérieurs de Donna Haraway : «ce corps est une entité technovivante multiconnectée incorporant la technologie. Ni organisme, ni machine : technocorps [3]». Le corps contemporain est littéralement born ready : né prêt, prêt à dériver.

Ces entrelacs entre théories, matériaux, molécules et affects s’incarnent chez Jeanne Briand sous la forme de plugs et de prothèses qui génèrent leur propre vie. Débutée lors de son diplôme aux Beaux-Arts de Paris, la série “Random Control” (2010-2015) se compose d’utérus en verre soufflés fabriqués à partir du verre des tubes de laboratoire. La série évoluera ensuite vers “Gamete Glass” (2015-2017) où des formes elles aussi réminescentes d’une vie artificielle produisent des sons lorsqu’elles sont activées par le souffle leur ayant donné naissance. S’autonomisant toujours plus, ces matrices de verre s’exhibaient augmentées de plugs et soutenues de barres d’acier au Salon de Montrouge la même année. Accédant à l’échange avec d’autres milieux et à la verticalité, les œuvres de la série “Gamete Glass (bachelors)” (2017) apparaissent alors comme les Objets Cache-Toi du monde d’après la disparition de l’humain.

Mais ce sont sans doute dans les derniers développements de son travail que se manifeste le plus lisiblement l’appropriation du thème du nomadisme biologique par les jeunes artistes ayant commencé à produire dans la décennie en cours. En résidence un mois à la Clark House Initiave à Bombay cet été, l’artiste y observe les garde-boues enveloppant les carrosseries des motos circulant dans la ville surpeuplée. À la fois protection du bolide et mise à distance des piétons, ces structures externes métalliques sont de surcroît fabriquées sur mesure et customisées. Les recouvrant de peau, l’artiste les détourne afin de les transformer, selon ses termes, en «parures ou prothèses» et débute une nouvelle série, “Proximity Max”, qu’elle poursuit actuellement à Los Angeles. Disposé au mur ou au sol, le corps originellement augmenté a fini par disparaître totalement, érigeant l’accessoire au rang de substance.

[3] Beatriz Preciado, Testo Junkie. Sexe, drogue et biopolitique, Paris, Grasset, 2008, p. 41.

Anna Labouze & Keimis Henni

At the start of Jeanne Briand’s work, there is the late discovery of being born, alongside her twin brother, in vitro. She belongs to the first generation of children conceived by in vitro fertilization. This biographical element will soon become a medium – the glass from the test tubes – and a research guide: the origin of forms. Her sculptures, sometimes wearing a harness or covered in skin (natural leather), convey a fetishist tone to this prosthetics “used for body augmentation”. Her artistic universe, filled with gametes, chromosomes, test tubes, uterus and now jellyfishes, fall within a new sensitivity, deeply non-binary, not only concerning gender, but also the subject/the object, the human/the animal, the organic/the technologic.

“Jellyfish can reproduce at an embryonic state and hack! They swarm, and represent one of the most massive planetary colonization, even coercing human activity: ironically, its spreading is the result of global warming”.

The immersive installation “Fluid(s) of a Love Scene: Jelly Parade” is made of blown glass phosphorescent jellyfishes. Their reproduction modes, sexual and asexual at the same time, fascinate the artist. Either females capture male spermatozoids and the reproduction takes place in their stomach, or the gametes (male and female) that were previously spit in the water, meet with the stream to then transform into eggs and larvae, finally giving birth to new jellyfishes, without fertilization.
More than a metaphor of the new reproduction means & sexual habits, the artist gives life to her sculptures through an audio installation that reminds us of the atmosphere of the backroom of a debauchery club, and by creating light fluctuations, making her sculptures dialogue, thanks to the smooth and hypnotic movement of a video, where other jellyfishes navigates in a fish tank. The whole work of art gives birth to a sensual and futuristic courtship ritual, a bewitching & enlightened aquatic dance.

À l’origine du travail de Jeanne Briand il y a la découverte tardive d’être, avec son frère jumeau, de la première génération d’enfants conçus par fécondation in vitro. Cet élément biographique sera à la fois un médium − le verre, celui des éprouvettes − et une ligne de recherche : l’origine des formes. Ses sculptures, parfois, parées de harnais ou recouvertes de peau (cuir naturel) donne un caractère fétichiste à ces prothèses «utilisées pour l’augmentation du corps».  Son univers artistique, peuplé de gamètes, de chromosomes, de tubes à essais, d’utérus et maintenant de méduses s’inscrit dans une sensibilité nouvelle, profondément anti-binaire, ne concernant pas seulement le genre, mais aussi le sujet / l’objet, l’humain / l’animal, l’organique / le technologique.

«La méduse peut se reproduire à l’état embryonnaire... c’est du hacking ! Elles pullulent et représentent ainsi l’une des colonisations planétaires les plus massives allant même jusqu’à contraindre l’activité humaine : sa prolifération résulte paradoxalement du réchauffement climatique».

L’installation immersive “Fluid(s) of a love scene: Jelly Parade” présente des méduses phosphorescentes en verre soufflé. Leurs modes de reproduction à la fois sexué et asexué fascine l’artiste.  Soit les femelles captent les spermatozoïdes des mâles et la reproduction se fait dans leur estomac. Soit des gamètes (mâles et femelles) ont été préalablement crachés dans les eaux, et se rencontrent au rythme des courants pour se transformer en œufs, puis en larves et donne naissance à de nouvelles méduses sans fécondation. Plus qu’une métaphore des nouveaux moyens de procréation et des nouvelles pratiques sexuelles, l’artiste personnifie ses sculptures et leur donne vie, grâce à une bande son qui évoque l’acoustique d’une backroom de club libertin, en les animant par des variations de lumière, ou en les faisant dialoguer par le mouvement fluide et hypnotique d’une vidéo où leurs congénères évoluent dans un aquarium. L’ensemble dessine une parade amoureuse sensuelle et futuriste, une danse aquatique, envoûtante et lumineuse.